#artdesign al tempo dei romani: l’arredo delle domus

Il mese di maggio è dedicato dal Mibact al design, inteso come ricerca di oggetti che costituiscano una sintesi tra funzionalità, tecnica ed estetica ancora prima dell’avvento della produzione industriale; se, apparentemente, un museo archeologico è quanto di più lontano si possa immaginare dal design, in realtà si resta stupiti da quanti degli oggetti conservati al MAF rispondano esattamente a queste caratteristiche! Un esempio lampante è quanto rimane degli arredi delle ricche domus di epoca romana, di cui restano elementi legati all’illuminazione e parti di mobilio.

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L’interno di una domus immaginato da L. Alma Tadema (foto)

I vari ambienti delle case romane prendevano luce prevalentemente dalla porta, che si poteva affacciare sull’atrio (il cortile interno che si apriva subito dopo l’ingresso, caratterizzato da un’apertura nel tetto) o sul peristilio (il giardino colonnato che si trovava sul retro). Di buio, l’illuminazione era demandata all’utilizzo di lucerne, di forma e materiale diverso a seconda degli ambienti che dovevano rischiarare. Se nelle stanze di servizio si utilizzavano semplici lampade di terracotta, in quelle di rappresentanza le lucerne erano di bronzo, come altre parti dell’arredo, e rispondevano all’esigenza del proprietario di mostrare l’agiatezza della propria posizione.

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Gli arredi in bronzo e marmo di una ricca domus dipinti da L. Alma Tadema (foto)

Nella sezione dei bronzi romani, recentemente riallestita al secondo piano del MAF, nell’ultima sala sono conservate alcune lucerne di epoca imperiale, da quelle più antiche, a una sola luce e di forma allungata, a quelle di epoca tarda a soggetto cristiano, bilicni, cioè con due beccucci da cui fuoriusciva lo stoppino. Alcune sono dotate di catenelle e anelli che servivano per la sospensione, consentendo di appenderle a ganci o portalampade come quello configurato ad alberello conservato nella stessa sala; l’albero, forse un fico, è straordinariamente curato nei dettagli, come il piccolo serpente che fa capolino dal tronco. Si tratta di un manufatto proveniente probabilmente dalle regioni orientali dell’Impero, che risale agli inizi del I sec. d.C.

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Lucerne in bronzo e portalucerne ad alberello

L’oggetto che però risponde meglio all’idea di design come lo intendiamo oggi, è certamente il c.d. Idolino di Pesaro, copia romana in bronzo (circa 30 a.C.) di una scultura greca di epoca classica. La statua, che rappresenta un giovane stante, non aveva solamente lo scopo di abbellire l’ambiente nel quale era collocata, ma svolgeva anche la funzione di reggilampade; arricchita forse da un tralcio vegetale a cui le lucerne potevano essere appese, poteva sorreggere dei lumi anche con le mani, con una soluzione che tanto spesso si trova applicata alle sculture che popolavano gli ambienti e i giardini delle abitazioni dei ricchi cittadini romani.

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l’Idolino di Pesaro

A differenza delle lampade, i mobili giunti fino a noi sono ben pochi, e al MAF ne sono conservati soltanto pochi resti. Si tratta di parti del rivestimento bronzeo delle zampe di mobili di origine etrusca (ma non troppo dissimili dovevano essere quelli di produzione romana),  configurati a zampa leonina con scene mitiche realizzate a rilievo. Letti, tavoli e sedie in legno erano spesso abbelliti da parti in materiale più pregiato, come il metallo o l’avorio.

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Zampe di mobili in bronzo di produzione etrusca (V sec. a.C.)

Risalente all’età tardo imperiale è invece la spalliera di trono* ageminata, che doveva rivestire la parte posteriore di una sedia di rappresentanza destinata al padrone di casa, il dominus, del quale erano illustrate le principali attività (la caccia) e le splendide proprietà (la villa con il parco circostante).

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La spalliera di trono

Ancora una volta la modernità del passato balza agli occhi e stupisce, e i reperti antichi svelano le affinità tra il nostro quotidiano e la vita dei secoli passati. Chissà quali sono gli oggetti di “design” che più colpiscono i nostri visitatori… Per tutto il mese di maggio potete condividerli sui social con l’hashtag #artdesign!

*Nel post a cui si rimanda la spalliera, con gli altri bronzi tardo antichi, si trovava nel corridoio del secondo piano. Attualmente tutti questi reperti sono riuniti nelle sale dei bronzi e bronzetti romani.

 

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Le mummie animali del MAF

Tra le recenti acquisizioni del Manf, presentate al pubblico in occasione della mostra L’Arte di donare. Nuove acquisizioni del Museo Archeologico Nazionale di Firenze, figurano due mummie di canidi che vengono ad arricchire il già consistente gruppo di mummie animali in possesso del museo, costituito da ben 65 esemplari.

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Mummie di canidi esposte alla mostra

Le due mummie, assegnate al Museo nel 2013 dal Comando Carabinieri Tutela del Patrimonio Culturale di Roma, risultato di una indagine sulla liceità del possesso, sono provenienti da un lascito ereditario e pertanto non è possibile identificarne il luogo d’origine in Egitto né fissarne precisamente la cronologia, sebbene, come vedremo, l’uso di imbalsamare animali, presente solo in Epoca Tarda, possa favorire una datazione a questo periodo.

Ma perché gli Egizi praticavano la mummificazione, e perché mummificavano anche i loro animali?

La mummificazione, venne adottata dagli Egizi quale sistema ordinario di sepoltura al fine di consentire la sopravvivenza dei corpi nell’aldilà. Essi infatti credevano che la conservazione del corpo avrebbe assicurato al Ka – l’anima o l’essenza spirituale del defunto- di utilizzarlo quale veicolo in cui incarnarsi. La mummia quindi, così come la statua, non era un semplice tributo alla memoria, ma la sua funzione precipua era quella di servire da base per un’altra vita, quella del Ka, che in essa si incarnava. Senza alcun supporto fisico infatti, l’anima- sotto aspetto di Ka, Ba (la “manifestazione animata del defunto”) o Ash (il generico principio di immortalità) – non potendosi incarnare, si sarebbe perduta in una eternità di supplizi.

La conservazione del corpo materiale era di primaria importanza, e ciò spinse gli Egizi a sviluppare raffinate tecniche di conservazione dei corpi.

I materiali e le tecniche utilizzate, pur variando nel tempo, rimasero costanti nei principi base che prevedevano l’eviscerazione del cadavere (lavato con vino di palma e asciugato con panni di lino) e la sua essiccazione mediante immersione in un composto di sali (natron), per consentire la disidratazione dei tessuti grassi e con funzione battericida, per una durata tradizionalmente fissata sui 40 giorni. Seguiva una fase di circa 30 giorni in cui, raggiunta la completa disidratazione, il corpo veniva ricoperto di resine e di oli sacri, incensato ed infine avvolto in bende di lino secondo un procedimento altamente complesso. La mummia veniva poi deposta nel sarcofago e collocata nella tomba, ove erano deposti gli oggetti indispensabili alla vita quotidiana e dipinte scene della vita di tutti i giorni, in maniera da garantire una inesauribile fonte di approvvigionamento al defunto nel caso malaugurato in cui le offerte, che i vivi erano tenuti a recare ai morti, fossero state interrotte per un qualunque motivo.

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Mummia di gazzella (fonte)

Non erano però solamente gli umani ad essere sottoposti a questo procedimento: i musei di varie città del mondo sono pieni di mummie delle specie più diverse, compresi bovini, babbuini, arieti, leoni, gatti, cani, iene, pesci, pipistrelli, gufi, gazzelle, capre, coccodrilli, toporagni, coleotteri scarabei, ibis, falchi, serpenti, lucertole e molti tipi di uccelli: è perciò probabile che gli Egizi credessero che anche gli animali, come gli umani, possedevano un Ka, e forse anche un Ba e un Akh. Il procedimento era simile a quello seguito per gli esseri umani: eviscerazione, essiccamento sotto natron, lavaggio, accurata fasciatura e deposizione nel sarcofago. Le indagini archeologiche hanno riportato alla luce interi cimiteri riservati agli animali, come la necropoli di Saqqara, dove sono state identificate, all’interno di una catacomba particolarmente estesa, ben otto milioni di mummie di cani, o quella di Tuna el-Gebel, che ha restituito circa quattro milioni di mummie di ibis. Le mummie animali giunte fino a noi possono essere suddivise in diverse tipologie.  Un gruppo importante è costituito dagli animali domestici, cani, gatti ma anche manguste, scimmie, gazzelle e uccelli. Questi animali venivano spesso mummificati e sepolti con i loro proprietari, o fuori della loro tomba, nel caso in cui la loro morte precedeva quella dell’individuo cui essi appartenevano, in attesa di accompagnarli anche nell’aldilà: l’esempio quasi commovente di un uomo chiamato Hapymin, sepolto nel periodo compreso tra l’epoca tarda e la XXX dinastia con il suo cane raggomitolato ai piedi, può fornire forse la prova migliore del forte sentimento che gli Egizi nutrivano per i loro animali.

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Mummia di coccodrillo (fonte)

Un’altra tipologia è costituita dalle mummie di animali considerati sacri, come ipostasi delle divinità: ad esempio il toro Api a Menfi o l’ariete Banebged a Mendes erano oggetto di venerazione dalle età più antiche, scelti dai sacerdoti secondo precisi criteri (ad esempio una macchia sulla pezzatura) e adorati e accuditi come fossero il dio stesso. Alla loro morte, venivano imbalsamati e solennemente sepolti in una catacomba, mentre il loro principio divino migrava in un altro esemplare dalle caratteristiche simili.

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Mummia di gatto con relativa radiografia (fonte)

La categoria di mummie animali più numerosa, e più frequente nelle collezioni dei musei di tutto il mondo, è quella delle offerte votive: in questo caso, la mummia di uno specifico animale veniva dedicata alla divinità corrispondente (ogni dio aveva un animale specifico che era il suo totem o simbolo, ad esempio il gatto era sacro a Bastet, dea del piacere, dell’amore e della bellezza, gli Ibis a Thot, dio della conoscenza), in modo tale che la preghiera dedicata al dio dal pellegrino, e rappresentata dall’animale imbalsamato, potesse essergli indirizzata e rivolta per l’eternità. Le mummie venivano offerte e conservate nel tempio fino alla festa annuale o semestrale del dio, dopodiché venivano sepolte in apposite, enormi, catacombe.

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Mummia di serpente con sarcofago. Sul coperchio è rappresentato il serpente in rilievo (fonte)

Questi animali venivano allevati in prossimità dei santuari e poi deliberatamente uccisi per essere imbalsamati e venduti ai pellegrini. Con il tempo, si creò un vero e proprio sistema economico ruotante intorno a questi santuari, che accoglievano officine destinate alla produzione, alla imbalsamazione e alla vendita di mummie, e non mancano prove dell’esistenza di edifici destinati alla cova delle uova di coccodrillo (a Medinet Mari) o di uccelli.

Del resto, le mummie erano parte integrante dell’economia di questi santuari: migliaia di animali dovevano essere allevati e accuditi a spese del tempio, su cui ricadevano anche i costi di mantenimento dei sacerdoti addetti al culto, della manodopera specializzata e dei materiali necessari per l’imbalsamazione, provenienti da diverse parti dell’Egitto o dall’estero (ad esempio le resine, incluso l’incenso e la mirra, venivano importate dalla Siria o dall’Etiopia). Fu probabilmente per far fronte alla richiesta sempre crescente che cominciarono ad essere prodotti esemplari di scarsa qualità, tanto più che questa dipendeva anche dalle disponibilità economiche dell’acquirente, e che si misero in atto delle pratiche probabilmente fraudolente: le indagini diagnostiche cui sono state sottoposte alcune mummie hanno infatti rivelato che queste erano dei “falsi”, cioè erano state bendate per dare l’idea di un animale specifico, ma di fatto contenevano i resti di un animale diverso, le ossa di più esemplari o addirittura solamente sabbia, grumi di fango, bende e materiale di vario genere. Bisogna però tenere conto anche della precipua mentalità egizia per la quale la parte (pochi resti ossei o solo le piume) vale il tutto (l’intero animale) nonché il budget del pellegrino, che qualora molto basso, non consentiva l’acquisto di esemplari “autentici”.

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Mummie di pesce con sarcofago (fonte)

L’ultima categoria di mummie animali è costituita dalle mummie cosiddette “alimentari”, ovvero da cibi mummificati come costolette di manzo, anatre e oche, collocate nella tomba affinché il defunto se ne potesse nutrire. La carne e il pollame venivano preparati come se fossero pronti per essere cucinati: la carne veniva scuoiata e spezzettata, il pollame spennato ed eviscerato, e nella maggior parte dei casi, venivano rimosse la testa, le ali e le zampe. Dopo l’essiccazione, il fegato e la varie frattaglie venivano reinserite all’interno del corpo tramite delle cavità opportunamente create. Alcune di queste mummie presentano una colorazione marrone, come se fosse stato dato loro intenzionalmente l’aspetto di una cosa appena arrostita, con l’applicazione di resine calde che ovviamente brunivano le bende.

La pratica della mummificazione di animali è attestata durante l’intero arco della storia egizia, ma è soprattutto durante l’Epoca Tarda e nei Periodi Tolemaico e Romano che si diffonde con enorme successo la pratica delle mummie votive, probabilmente quale reazione alla minaccia straniera che spinse gli Egizi a cercare nuovi modi con cui affermare il proprio senso di identità e ribadire la propria cultura e le proprie tradizioni religiose. Il fenomeno perdurò circa fino al 350 d.C., quando venne interrotto dal trionfo del cristianesimo.

Reperti “vecchi”, sale nuove!

Da ieri, venerdì 6 aprile, al secondo piano del MAF sono visitabili le nuove sale dedicate al Vaso François, al Sarcofago delle Amazzoni e ai Bronzetti greco-romani, recentemente riallestite grazie alla generosa donazione di Laura e Jack Winchester, liberalmente offerta al Museo Archeologico attraverso la Fondazione non profit Friends of Florence (allestimento stato curato dall’architetto Chiara Fornari e realizzato dalla ditta Machina s.r.l.).

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L’apparato didattico a corredo della sala

Il celebre Vaso François, capolavoro dell’arte vascolare greca, collocato in una nuova  nuova vetrina, è il fulcro di una nuova sala tutta nera, sulle cui pareti spiccano le riproduzioni (retroilluminate e in grande scala) del fregio principale con il matrimonio di Peleo e Teti. L’esposizione è corredata da un apparato didattico bilingue (in italiano e in inglese) e da due postazioni informatiche nelle quali i visitatori potranno agevolmente scorrere le immagini, approfondire i miti, le saghe e le storie degli antichi dei ed eroi della Grecia classica e della Guerra di Troia, scoprendo così quale fu il fascino che il Rex Vasorum (il Re dei Vasi) esercitò sugli aristocratici etruschi della potente città di Chiusi, che tra il 565 e il 550 a.C. lo acquistarono e lo posero in una grande tomba a sette camere.

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Le riproduzioni del fregio principale retroilluminate

Per la prima volta, inoltre, sono esposti accanto al grande cratere di Ergotimos e Kleitias due vasi figurati (della bottega del pittore Lydos) che solo recenti ricerche d’archivio hanno individuato come possibili elementi del corredo funerario di cui il Vaso François faceva parte. Uno di essi raffigura il Giudizio di Paride sulla bellezza delle tre dee Era, Atena e Afrodite, mito all’origine della Guerra di Troia, che quindi andrebbe a completare il ciclo mitologico della saga, integrandolo così con la parte iniziale della storia.

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I vasi prodotti nella bottega del Pittore di Lydos e il cratere nella nuova vetrina

In occasione dell’inaugurazione è stata presentata anche la guida del Vaso François, curata dal direttore Mario Iozzo, dettagliata e ampiamente illustrata (pubblicata dalla casa editrice Polistampa), destinata al pubblico anche non specialistico, disponibile sia in italiano che in inglese grazie alla traduzione di Andrew J. Clark.

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La guida edita da Polistampa

Il rinnovamento dell’apparato espositivo riguarda anche il Sarcofago delle Amazzoni, esempio unico al mondo di sepolcro di marmo dipinto (350 a.C.), destinato a una aristocratica dama di Tarquinia, nonna di un alto magistrato che l’ha onorata commissionando la splendida sepoltura. Ora protetto da un moderno dispositivo ad allarme sonoro, è stato anch’esso dotato di un nuovo apparato didascalico e didattico in doppia lingua, chiaro e comprensibile a tutti, che illustra le scene figurate e traduce le iscrizioni incise sulla sua superficie, spiegando anche il motivo per cui sono doppie. Anche in questo caso, due postazioni informatiche offrono ai visitatori la possibilità di scorrere le immagini e di avere approfondimenti (sia in italiano che in inglese) sulle raffigurazioni, la scoperta, lo stile, le pitture e i loro colori, le scene e i miti raffigurati.

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Il Sarcofago delle Amazzoni e l’apparato didattico della sala

Ai capolavori già esposti nella Sezione delle Collezioni, infine, si aggiunge negli splendidi ambienti realizzati all’epoca di Pietro Leopoldo di Toscana un’altra importante sezione, quella allestita da G. Carlotta Cianferoni e dedicata ai Bronzetti greco-romani. Tre ambienti e undici vetrine che accolgono 180 pregiatissime statuette di bronzo, sia originali greci che copie di età romana, un tempo parti della grande collezione mediceo-lorenese e in parte restaurate e integrate da artigiani e artisti della loro corte (tra i quali Benvenuto Cellini).

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L’ultima delle sale dedicate ai bronzetti

Ad esse si accompagnano ritratti di tragediografi, poeti e filosofi greci e parti di grandi statue in bronzo, nonché, a completamento dell’esposizione, statue in marmo e oreficerie che permettono un confronto tra quanto raffigurato su alcune opere in bronzo e gli oggetti reali.

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Vi aspettiamo!

 

“Antichità d’Africa agli Uffizi”: il MAF e gli Uffizi in mostra al Museo del Bardo di Tunisi

Domenica 18 marzo è stata inaugurata al Museo del Bardo di Tunisi la mostra “Antichità d’Africa agli Uffizi”, che resterà visitabile fino al 30 settembre. La mostra è dedicata alle antichità romane provenienti dalla Tunisia e presenti da oltre tre secoli nelle collezioni degli Uffizi e nei depositi del MAF: ventiquattro pezzi – epigrafi e stele votive e funerarie, per lo più – che per duecento anni hanno fatto bella mostra di sé nella sala d’ingresso della galleria fiorentina, al tempo uniche testimonianze in Europa dell’Africa romana.

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Un’immagine del Museo del Bardo (fonte)

L’evento, a tre anni dall’attentato terroristico del 18 marzo 2015, rafforza i legami culturali tra Toscana e Tunisia, le cui radici sono secolari. La mostra, realizzata in collaborazione con l’Istituto Italiano locale di Cultura e la curatela degli Uffizi, è interamente finanziata dalla Regione e vuole essere un modo per contribuire alla ripresa del turismo culturale del paese.

La storia delle epigrafi inizia nel Seicento, quando il medico e archeologo pisano Giovanni Pagni si recò in Tunisia attratto dal fascino dell’antica città di Cartagine e lì rimase per un anno al servizio del Bey Murad II. Un viaggio avventuroso, in un luogo in quegli anni non facilmente accessibile, alla fine del quale il Bey Murad, riconoscente per la guarigione ottenuta grazie all’intervento del giovane medico e professore toscano, lo colmò di doni. Tra questi spiccava appunto una raccolta di oltre venti opere tra epigrafi, stele funerarie e stele votive di epoca imperiale romana, che entrarono a far parte della collezione del cardinal Leopoldo de’ Medici, passate alla morte di questo nelle collezioni degli Uffizi, dove furono incastonate negli stucchi di Giovanni Battista Foggini, il massimo esponente del Barocco fiorentino, nell’allestimento delle due stanze a T dette “Ricetto delle Iscrizioni“. Smantellato questo nel 1911, le iscrizioni furono trasferite al Museo Archeologico per essere unite alla già ampia collezione di epigrafia (sono ben 20 i pezzi che provengono dai nostri depositi). 

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Giovanni Pagni nel quadro proveniente dall’Università di Pisa (fonte)

Nella mostra è riunita per la prima volta la quasi totalità dei reperti raccolti da Pagni da antiche località dell’Africa proconsolare. Fra queste spiccano una complessa e articolata dedica a Giulia Domna, moglie dell’imperatore Settimio Severo in cui si ricorda la località di Pagus Mercurialis, non altrimenti nota, e un grandioso frammento di architrave dell’antica Suas, che celebra la costruzione, sotto il regno di Marco Aurelio, di un tempio, di un arco e di un complesso di portici. A questi pezzi si aggiungono quattro rilievi punico-romani, provenienti da Cartagine e che raffigurano le massime divinità del Pantheon africano di età imperiale. Offerti in vendita allo Stato da una certa vedova Maddalena Bassano, furono acquistate nel 1873 da Francesco Gamurrini, direttore delle Regie Gallerie di Firenze, proprio per completare quella singolare collezione unica in Italia.

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L’iscrizione con dedica a Giulia Domna (fonte)

Nel percorso è inserito anche un ritratto di Giovanni Pagni, messo a disposizione dall’Università di Pisa.

 

 

Vasi a… fumetti!

Il tema della campagna di comunicazione del Mibact per il mese di marzo è dedicato ai #fumettineimusei: l’iniziativa, che prevede anche una mostra all’Istituto Centrale per la Grafica, ha promosso il racconto attraverso albi illustrati di alcuni musei italiani, e prevede di puntare l’attenzione su tutte quelle immagini d’arte che in qualche modo rimandano al mondo dei fumetti. Tra tutte le “istantanee” di miti, storie e scene di vita quotidiana che l’antichità ci ha lasciato, noi abbiamo scelto quelle della ceramica greca ed etrusca accompagnate da iscrizioni, vere e proprie vignette ante litteram.

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Nella fitta rete di scambi (talvolta scontri) economici e culturali intessuta tra Greci ed Etruschi attraverso le sponde del Mediterraneo, la ceramica prodotta ad Atene per la facoltosa committenza tirrenica non è soltanto un bene di prestigio da esibire nella cerchia sociale di appartenenza, ma è anche un modo per veicolare conoscenze e consolidare un comune patrimonio culturale. I miti e le storie raccontati per immagini raggiungono in maniera immediata e straordinariamente efficace i destinatari, anche senza bisogno di un testo. A volte, però, un brevissimo testo di accompagnamento c’è: un nome, un titolo, in qualche caso addirittura le parole che escono dalla bocca di un personaggio (del resto il greco era capito in Etruria!). Un esempio straordinario di questa trasmigrazione di immagini, concetti e parole è, ancora una volta, il vaso François: Atene si racconta attraverso le storie degli eroi e degli dei e ogni personaggio, per non essere frainteso, ha il suo nome scritto accanto, persino gli animali!

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Dettaglio della caccia al Cinghiale Calidonio: non solo gli eroi (Meleagro, Atalanta, Melanione, Peleo…) hanno il nome, ma anche i cani che li aiutano

Anche gli Etruschi scrivono, sui vasi prodotti ad imitazione delle figure rosse ateniesi, il nome dei personaggi. Su questo stamnos (vaso per liquidi) è rappresentata la costruzione di una scultura, un cavallo: l’artigiano ha scritto sopra il nome, Epoiio, che ce lo fa identificare inequivocabilmente con Epeo, il costruttore del cavallo di Troia. Questa iscrizione, in lingua e caratteri greci, è stranamente “sbagliata” (la dicitura corretta in greco sarebbe Epeios). Forse l’artigiano conosceva così bene la lingua che ha giocato intenzionalmente con le parole, trasformando Epeio in Epoio, con riferimento al verbo fare, creare (poieo) oppure, visto che già un paio di secoli Omero i dittonghi greci “ei” e “oi” si cominciavano a semplificare verso la i, ha trascritto male il nome che aveva sentito dai cantastorie (magari propio sotto l’influsso di poieo!).

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L’artigiano lavora alla testa del cavallo, mentre sopra è appoggiata la zampa posteriore. Sul capo dell’artigiano corre l’iscrizione, che ci fa identificare la scena con una storia ben precisa, piuttosto che con una generica scena di fonderia. Lo stamnos si data tra la fine del IV e l’inizio del V sec. a.C.

Infine due vasi greci, su cui sono rappresentate scene di vita quotidiana, dalle botteghe alle abitazioni private. Su una pelike da olio (una sorta di anfora dal fondo appiattito) un venditore (di olio, appunto!) cerca di richiamare l’attenzione di una facoltosa signora dicendole “Kalo, nai?” (“Buono, eh?”) mentre, sull’altra faccia, un venditore di ceramica scaccia due cani dalla propria bottega gridando “Kyna h(i)emi” (“Via, cani!”).

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Le due facce della pelike attribuita alla cerchia del Pittore di Antimédes (ca. 520 a.C.)

Sul fondo di una coppa da vino, invece, un simposiasta (cioè un partecipante al simposio, il momento dedicato al bere che seguiva i banchetti) canta, probabilmente la strofa d’inizio di un canto d’amore: “Phile, kai…” (“Ama, e…”).

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Il giovane tiene con la sinistra il grande skyphos in cui è contenuto il vino, e con la destra il rametto che, passando di mano in mano, indicava colui al quale di volta in volta toccava declamare o cantare. Sotto la kline ci sono i calzari, che ci si toglievano quando si arrivava in come ospiti in casa di qualcuno.

In tutti questi casi le parole escono proprio dalla bocca di chi le pronuncia, come in un vero fumetto, che restituisce tutta la vividezza delle scene, tanto che sembra quasi di veder gesticolare i protagonisti, sentire gli schiamazzi di un giorno di mercato e il canto stonato di un commensale che ha bevuto un po’ troppo.

“L’Arte di donare”: nuova mostra al MAF

Da oggi 10 marzo 2018 il salone del Nicchio, la grande sala all’inizio del percorso del Museo Archeologico Nazionale di Firenze, ospita una nuova mostra: “L’Arte di donare“. Non una mostra tematica, questa volta: in esposizione si trovano i reperti dalle origini più disparate, che coprono un arco di tempo lunghissimo, dall’antico Egitto al Medioevo, con una incursione addirittura nel contemporaneo.

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Ma cosa possono avere in comune opere così diverse? Si tratta di acquisizioni entrate in anni recenti nelle collezioni del MAF grazie a donazioni, cessioni, permute e prelazioni, in alcuni casi grazie al senso civico di chi le deteneva, e che ha deciso di farne dono al Museo, in altri grazie alla sensibilità del nostro Ministero, che su richiesta di funzionari attenti e competenti è intervenuto con l’esercizio della prelazione per assicurare allo Stato – e quindi alla pubblica fruizione – opere di rilievo che altrimenti sarebbero state destinate all’ammirazione quasi egoistica di pochi privati e comunque fruibili soltanto in un ambito estremamente ristretto. In altri casi ancora, grazie a una politica di scambi e di cessioni finalizzata alla salvaguardia e alla migliore conservazione delle opere stesse.

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Alcuni dei reperti esposti: una coppa apula con sposa ed Eros e un ritratto marmoreo dell’epoca degli ultimi Antonini (fine II sec. d.C.)

Il titolo si ispira all’espressione latina Ars donandi, che richiama alla mente la celebre frase con la quale San Gregorio di Tours (Clermont-Ferrand ca. 538 – Tours 594), spiegò nelle sue Historiae (IV, 29) come Sigiberto I, re dei Franchi, sconfitto e fatto prigioniero da Baian, imperatore degli Avari, riuscì a capovolgere la situazione in proprio favore e a riconquistare la libertà grazie alla propria capacità di offrire doni. Per questo il termine Arte è scritto con la A maiuscola, per sottolineare il rapporto tra il titolo della mostra e gli oggetti donati, piccole e grandi opere dell’Arte e dell’Artigianato antichi: un riconoscimento a quell’azione che deriva dall’apprezzamento e dall’ammirazione per tali opere, la cui importanza i proprietari riconoscono a tal punto da desiderare che esse diventino patrimonio comune.

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Il modellino delle pentecontere ricostruito da G. Tanzilli

Nella mostra sono esposti centoventisei fra amuleti, mummie, statuette e ushabti egizi, sculture in marmo, vasi figurati di produzione greca, magnogreca, etrusca, italica e romana, capitelli tardomedievali, reperti in oro, bronzo, legno, vetro e piombo e volumi antichi. A questi reperti si aggiungono due dettagliati e accuratissimi modellini, ricostruzioni moderne di una nave greca (pentecontere) e di un doppio flauto (aulos) che i giovani e giovanissimi utenti dei nostri Servizi Educativi troveranno certamente di grande interesse nel corso delle attività didattiche che si svolgono di regola all’interno del Museo Archeologico.

La mostra sarà visitabile, a partire dal 10 marzo, secondo gli orari del Museo e con lo stesso biglietto di ingresso. Vi aspettiamo!

L’accordo tra Polo Museale della Toscana e Uffizi: nuove opportunità per il pubblico e il Museo Archeologico di Firenze

UN PATTO PER L’ARCHEOLOGIA, UN PATTO PER FIRENZE, L’ITALIA E L’EUROPA: così è stato presentato l’accordo di collaborazione, firmato lo scorso 17 gennaio, tra Polo Museale della Toscana e Uffizi che prevede importanti novità per il Museo Archeologico Nazionale di Firenze.

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I capolavori del MAF: la Chimera, il rilievo con la dea Maat, il Vaso François

L’accordo rappresenta sicuramente un vantaggio per i visitatori che, tra pochi giorni, a partire dal 1 marzo, potranno entrare gratis al Museo Archeologico di Firenze con l’acquisto del biglietto degli Uffizi. Ogni biglietto degli Uffizi comprenderà, infatti, anche l’ingresso gratuito al Museo Archeologico Nazionale di Firenze (valido per 5 giorni entro la data dell’utilizzo del biglietto agli Uffizi). Anche l’abbonamento annuale Passepartout degli Uffizi (50 euro) e di tutte le Gallerie degli Uffizi con Uffizi, Palazzo Pitti e Giardino di Boboli (70 euro) oltre all’ingresso prioritario agli Uffizi per i 365 giorni successivi al primo utilizzo comprenderà sempre anche l’ingresso gratuito al Museo Archeologico Nazionale di Firenze. Rimane inalterata la possibilità di acquistare il solo biglietto del Museo Archeologico  secondo il tariffario vigente.

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Il giardino all’inizio del Novecento, con l’allestimento delle sculture romane sotto gli arconi del Corridoio Mediceo

Presso la biglietteria del Museo Archeologico sarà inoltre possibile comperare il biglietto di ingresso agli Uffizi, evitando la fila, senza sovraprezzi, e, se si vuole, iniziando la visita proprio da qui. L’accordo, infatti, non rappresenta solamente un’operazione tecnica ma ha le sue radici nella storia delle due istituzioni. Infatti è importante ricordare che, alla fine XVI secolo, le prime opere d’arte ad essere ospitate nel complesso degli Uffizi furono i marmi delle collezioni medicee. Le raccolte ebbero quindi in origine un carattere archeologico, volto alla riscoperta dell’antico. Fino all’Unità d’Italia negli Uffizi era possibile ammirare non solo la quadreria ma anche buccheri etruschi, vasi figurati, urnette, statue egizie, argenterie tardo-romane, oltre alle grandi sculture romane in marmo che davano il nome al Museo.

Solo negli ultimi anni del Granducato di Toscana e soprattutto con l’Unità d’Italia si realizza il distacco delle collezioni archeologiche, per prima la Collezione Egizia e poi capolavori indiscussi come la Chimera, l’Arringatore, la Minerva, l’Idolino, il Vaso François, la testa di cavallo Medici Riccardi ecc. che lasciarono le sale degli Uffizi per dar vita ad una nuova entità museale. Quest’ultima conserva quindi un rapporto inscindibile con le collezioni degli Uffizi e può fornire delle chiavi di lettura che consentono al visitatore di comprendere e apprezzare al meglio i capolavori in essi ospitati. Ecco perché un ideale percorso di visita potrebbe iniziare proprio dal Museo Archeologico.

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Il primo allestimento delle sale etrusche del museo

 

Dopo il distacco dagli Uffizi il museo continua a crescere e inizia a costruire una propria identità nel clima culturale post-unitario. Un’identità certamente basata sulla volontà di dare visibilità e uniformità al concetto di nazione, ma anche frutto del rapporto moderno tra stato e cittadino e ben conscia delle finalità educative del museo. L’esposizione viene ulteriormente arricchita grazie agli acquisti fatti dai Savoia, alla politica di scambi con altre nazioni e soprattutto alle campagne di scavo, andando così a definirne meglio i caratteri specifici e la fisionomia del museo.

L’accordo presuppone dei notevoli vantaggi per il Museo Archeologico al quale verrà destinato il 2,5% dell’introito derivante dalla bigliettazione degli Uffizi che consentirà la messa in cantiere di attività che spaziano dal restauro, a nuovi allestimenti, mostre, pubblicazioni, ecc.

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Il Museo luogo di incontro, gioco e apprendimento anche per il pubblico dei più piccoli!

L’operazione fornisce inoltre al museo l’opportunità di essere inserito all’interno di più ampi flussi turistici, portando all’attenzione dei visitatori, ma anche degli operatori di settore, la ricchezza del proprio patrimonio e le numerose attività didattiche e scientifiche, ben note al pubblico fiorentino, che esso svolge. Ogni anno il museo ospita, infatti, migliaia di studenti all’interno delle sue sale, fornendo anche possibilità di visite guidate ad hoc, laboratori didattici, incontri di archeologia narrata, e organizza mostre e conferenze. Non a caso l’accordo tra Polo Museale della Toscana e Uffizi prevede anche una più stretta collaborazione su questi aspetti con attività scientifiche, di ricerca e divulgazione coordinate e promosse dalle due istituzioni.

 

Restauri in diretta al MAF: la statua di Leda

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Da qualche giorno è in corso al MAF il restauro della Statua di Leda, una interessante copia romana di marmo del II sec. d.C., a grandezza naturale, di un originale greco di età Ellenistica (III sec. a.C.), la cui storia rimane carica di mistero. Certamente esposta per lungo tempo all’aperto, verosimilmente in un giardino, non apparteneva alle collezioni mediceo-lorenesi (non viene infattidagli Uffizi) e non ha numero di inventario… faceva forse parte degli arredi del Palazzo della Crocetta già all’epoca di Cosimo II e Maria Maddalena de’ Medici?

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La “Leda” del MAF

Il restauro, a cura di Daniela Manna e Simona Rindi, diretto da Mario Iozzo, con il coordinamento generale di Stefano Casciu e con la supervisione tecnica dei restauratori del Museo, Fabrizio Gennai e Stefano Sarri, è realizzato grazie al sostegno finanziario di Friends of Florence. Il progetto fu candidato alla prima edizione del Premio Friends of Florence Salone dell’Arte e del Restauro di Firenze nel 2012 e da quest’anno ha potuto trovare un donatore che ne ha permesso l’avvio.

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Leda col cigno, di scuola leonardesca, conservato agli Uffizi (fonte)

L’area dei lavori è situata lungo il percorso di visita del Museo, in modo da consentire a tutti i visitatori di osservare dal vivo un restauro in corso d’opera. Con una durata prevista di circa due mesi, il restauro della Leda (che sarà accompagnato da analisi ed esami condotti con tecniche non invasive) chiarirà molti punti spinosi, innanzitutto se la testa sia pertinente o se non sia addirittura una integrazione del XVI secolo. La ripulitura e il restauro restituiranno certamente la bellezza originale a questa immagine della sensuale Leda, la bella moglie di Tindaro, re di Sparta, che fece innamorare Zeus, il quale la sedusse sotto forma di un grande cigno magico (solitamente anch’esso raffigurato, ma non in questa statua). Dal Padre degli Dei così trasformato, Leda generò due uova, dalle quali nacquero Castore e Polluce, i Dioscuri (Dios-Kouroi, i figli di Zeus) e Clitemnestra ed Elena (la donna più bella del mondo, per la quale sarebbe poi scoppiata la Guerra di Troia).

Statua di Leda e il cigno

La Leda conservata ai Musei Capitolini (fonte)

A few days ago has begun at MAF the restoration work on the Statue of Leda. The Leda, a second-century A.D. Roman statue, is an interesting, full-size, marble copy of a Greek original from the Hellenistic Period (third century B.C.). The marble statue’s history is still somewhat mysterious. There is no doubt that it stood outdoors for a long period, most probably in some garden. We do know that it was not part of the Medici-Lorraine collections since it does not come from the Uffizi and does not have an inventory number… Could it  have been in Palazzo della Crocetta – the home of the Archaeological Museum – in the days of Cosimo II and Maria Maddalena de’ Medici?

The restoration, to be conducted by Daniela Manna and Simona Rindi, directed by Mario Iozzo, coordinated by Stefano Casciu and under the technical supervision of the museum’s staff restorers, Fabrizio Gennai and Stefano Sarri, has been made possible thanks to the financial support of the Friends of Florence Foundation. Originally a candidate in the first edition of the Friends of Florence Award Grant – Florence Art and Restoration Fair in 2012, the Leda project has now found a donor making it possible to start the work.

The work site is located along the museum’s visitor itinerary so that people will be able to see the restorations first hand. The project, that will take approximately two months, will include non-invasive tests and analyses that should help clear up many issues – above all whether the head is pertinent or a sixteenth-century addition. The cleaning and restoration will definitely bring out the statue’s original beauty.

Leda was the wife of Tyndareus, king of Sparta. She was admired by Zeus who came down to earth disguised as a swan and seduced her. (The swan is usually depicted in paintings and sculptures, but interestingly enough, not in this case.) Leda who had lain with her husband that night as well, “gave birth” to two eggs which hatched Castor and Pollux, also called the Dioscuri – children of Zeus, and Clytemnestra and Helen, the most beautiful woman in the world who caused the Trojan War.

Un banchetto lungo migliaia di anni

Quando si guarda indietro di centinaia (a volte migliaia!) di anni, spesso sembra difficile immedesimarsi e capire realtà che apparentemente niente hanno a che fare con il nostro tempo; ma basta poco, la forma insolitamente familiare di un oggetto, una analogia inaspettata nelle abitudini e il passato rivive davanti ai nostri occhi. È proprio quello che accade quando ci troviamo ad avere a che fare col cibo degli antichi, che sia scolpito su una stele o dipinto in un affresco, o, in certi e rari casi, straordinariamente  conservato.

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Una delle locandine del Mibact per la campagna di comunicazione di gennaio

Lo spunto per parlare di cibo (e in particolare quello degli Egizi) nel primo post dell’anno ci viene proprio dalla campagna di comunicazione ministeriale, che ha dedicato il mese di gennaio all’ #annodelciboitaliano, invitando gli utenti a cercare e riconoscere nei musei spunti legati al cibo. Quanti possono infatti immaginare che nel nel Museo Egizio di Firenze siano conservati addirittura pani e ceste di datteri, perfettamente essiccati grazie al clima caldo e asciutto del deserto?

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Un cestino di frutti della palma dum (a sinistra) e una forma di pane (a destra)

Gli antichi egizi credevano che il defunto, una volta riuscito a fare il suo ingresso nel regno di Osiride, avrebbe avuto bisogno di tutto ciò di cui disponeva in vita per poter tranquillamente condurre la sua esistenza ultramondana; quindi una casa, gli arredi, i servitori e, soprattutto, il cibo. Il cibo era provvisto dai parenti, che spesso sono rappresentati sulle stele mentre, in processione, recano le offerte alimentari; gli alimenti sono anche rappresentati disposti sulle tavole, in eccezionale abbondanza, davanti ai defunti seduti in trono.

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Due stele con rappresentata la tavola delle offerte: vi si distinguono pani di diverse forme, volatili, arti di bovino, verdure.

Talvolta si mettevano invece nella tomba statuette di servitori intenti nella preparazione di un cibo, un atto che magicamente si sarebbe rinnovato per l’eternità: così le serve che macinano la farina per preparare il pane o intente nella preparazione della birra, che costituiva un elemento fondamentale nella dieta, assai più del vino o di altre bevande.

Donne intente nella preparazione della farina (a sinistra) e nella spremitura dei pani di orzo per la preparazione della birra (a destra)

La birra che si beveva in Egitto era diversa da quella attuale; si otteneva a partire dalla fermentazione di pani di farina d’orzo, frantumati, imbevuti di succo di datteri e lasciati immersi in contenitori di terracotta. Successivamente i pani venivano strizzati e il liquido filtrato (proprio l’operazione a cui si dedica la nostra statuetta), oltre che modificato con l’aggiunta di aromi e spezie.

L’alimentazione degli antichi egizi non doveva poi differire troppo dalla nostra: vi erano la carne, prevalentemente di volatili (anche appositamente allevati), e il pesce pescato nel Nilo, che sostituiva la carne per chi non poteva permettersela (proprio il contrario di ciò che accade oggi!).

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Scena di pesca (a sinistra) e dettaglio di una stele con rappresentazione di un allevamento di anatre (a destra)

Molto abbondante era la varietà di frutta e verdura: fichi, uva, meloni, e poi cavoli, porri e cipolle, lattuga. Così come oggi, erano diffusi anche il latte (sia bovino che ovino) e tutti i suoi derivati. Sulla tavola accompagnava sempre tutto il pane, che era cotto in una grande varietà di forme e dimensioni.

Naturalmente, però, non tutti questi cibi comparivano in contemporanea sulla tavola di ogni giorno; le immagini che noi abbiamo vanno filtrate, perché fanno sempre riferimento a situazioni particolari, rituali e cerimonie, in cui il pasto deve necessariamente essere connotato da ricchezza e abbondanza. Del resto, anche oggi, nella sempre più diffusa abitudine di immortalare i propri pasti, non è forse vero che coinvolgiamo quelli delle occasioni speciali piuttosto che le sbrigative e frugali abitudini giornaliere?